Modern Times - Julian Anderson

Apareciendo en películas y eventos como las Olimpiadas son dos opciones para escuchar música clásica de manera accesible - inconsciente, hasta cierto punto! Mucho se ha dicho sobre la popularidad que ha perdido - algunas cosas ciertas, otras exageradas* - pero creo que ahora es tan popular como debe ser.

*Cuando en el siglo pasado algunos compositores abandonaron el uso de estructuras y tonalidad tradicional, el público no los aceptaron con brazos abiertos, por un lado. Por otro, el jazz y después el rock fueron encontrando su camino en el corazón de todos. Pero juzgar su popularidad por discos vendidos, como si fuera estadística representativa, es un poco desmesurado.

Hace poco escuchaba "Book of Hours", una selección de obras de Julian Anderson, de la cual David Gutman en classicalsource.com opina:

"Anderson’s talent – perhaps genius – has been to find ways of reconciling old and new. His surfaces exude a pleasurable radiance, which however never tries to pretend that modernism didn’t happen. The pieces on this CD find him extending this preoccupation, finally incorporating the non-tempered pitches of medieval music and the electronic paraphernalia of our own time into his kind of post-tonal consonance. Knussen. Britten, Tippett, Ives, Reich and Sibelius were among the big figures I sensed lurking behind the notes (which probably says more about me than the composer) yet Anderson’s own expressive voice is always there too. And its range is remarkable."

La selección incluye cinco obras: "Eden", "Imagin'd Corners", "Four American Choruses" (espléndida), "Symphony" y claro, "Book of Hours", interpretadas por la CBSO (City of Birmingham Symphony Orchestra). Son accesibles a primera impresión, y al escuchar con atención los detallitos arriba mencionados salen a relucir. Dedicarle tiempo es una excelente inversión.

The Huge Metal Fan - Leviathan

Excelente observación de Cosmo Lee en Pitchfork sobre "Massive Conspiracy Against All Life":

"Wrest's voice rises above the fray like a warlord general; unlike his colleagues, who often sound like malnourished witches, he declaims with a commanding growl. Yet his attack is not all blitzkrieg. Wrest adeptly conjures up wind-like sounds, whether through guitars or electronic means, and much of the record feels like a sepulchral cave. The Book of Revelation has many metal soundtracks, but few have channeled its torment this vividly."

Wrest básicamente es Leviathan, tocando todos los instrumentos en el disco y siendo la batería lo que mejor domina. Es casi imposible saber que y como canta lo que canta, ya que su voz se pierde entre la devastadora ambientación que sofoca sus canciones y la abrumada producción lo-fi, obligada, como debe ser. Pensé que sería una pérdida de tiempo tratar de analizarlo, una vez que empezé a escuchar.

Aparentemente no lo es, pues aquí estoy recomendando "Massive Conspiracy Against All Life" como uno de los mejores discos de black metal del 2008, y por mejor me refiero a ponerlo en un top 3, fácil. Cosmo Lee da en el clavo: Wrest está al mando total de este material y, en comparación, los otros vocalistas del subgénero suenan como brujas malnutridas.*

*Sí, lo se. Suena bastante ridículo, con sus caras pintadas, guitarras que parecen zumbidos y en realidad "lo-fi" puede ser sinónimo de "producción espantosa". Aun con todo eso, la temática del black metal es bastante dura. Eso es lo que se debe considerar para empezar a apreciarlo. O mejor, imagínenlo como a Kiss pero en un extremo fatalista.**

**Fragmento de "Made as the Stale Wine of Wrath": "From this pit of degradation/ Eyes, tongue and sword/ Suckle at the honey/ Sour, dejected and wretched/ Risen above the calls of the flesh/ Tearing deeper/ Tearing deeper/ And again the massive conspiracy against all life/ No air/ No exit/ Futility is the first gradual/ Then utter/ All are, at once, taken to the destroying place". Ouch.

Los riffs son poderosos, típicos del subgénero, disonantes y moviéndose entre semitonos. Son muy imponentes, opino, sostienendo melodías y efectos escalofriantes (de muy buen gusto, aunque suene raro decirlo). Creo que como la mayoría de los aficionados al minimalismo, soy un ferviente devoto de las repeticiones y en este disco los riffs hacen precisamente eso, repetirse de tal manera que cuando hay una pequeña variación, el efecto es pulverizante.

Wrest, como Leviathan, no necesita que de opiniones favorables para que disfruten su "Massive Conspiracy Against All Life"- de hecho, no creo que le importe -pero sí se le debe reconocer como una fuerza creativa líder del subgénero, que le da importancia a lo que se está haciendo en Estados Unidos. Si eso lo hace grabar más discos, mejor.

Recomendado: "Made As the Stale Wine of Wrath".

Selectronica - Pita

Sobre "Get Out", disco lanzado en Octubre del '99, Jess Harvell escribe lo siguiente:

"...if it has a failing, it's that this reliance on the pleasure of shocking your system somewhat impairs the replay value. A music that exists "nowhere" (except a hard drive, of course), the record crackles with energy and (more importantly) life nonetheless."

El tiempo no le ha quitado energia ni, afortunadamente, relevancia.

Peter Rehberg - a.k.a. Pita - correctamente etiqueta su trabajo como "electronic audio works". Su música me obliga a sentarme, poner atención, escuchar atentamente y formar una opinión. Así debería ser con todos los artistas, claro. Pero pocos lanzan un reto tan absorbente como "Get Out". Por consecuencia, pocos tienen la paciencia de aceptarlo.

El momento clave del disco, a mi gusto, ocurre en el track 3 (los temas son solamente enumerados), casi al principio de sus más de 11 minutos de duración. Los primeros dos tracks son un ataque ruidoso al oido y un abrasivo respiro ambiental, respectivamente. Luego llega el susodicho y se presenta una simple melodía repetitiva, que en cada iteración se va distorsionando más y más, hasta producir efectivamente, como dice Harvell, un tema que tendría cabida en un disco shoegaze. Su belleza parece estar fuera de contexto, pero sirve para darle a una obra difícil un brillante tono.

Por supuesto, hay mucha más tela para cortar. Ondas ululan y se transforman, y brillan y arden... Y de repente se calman, ofreciendo un respiro. Me gustan especificamente el quinto y noveno track, donde reina una calma medio nerviosa y los sonidos se van juntando de manera percusiva para dar señales de ritmo, masajeando el oido de paso.

Estoy de acuerdo que "Get Out" es agresivo y casi en su totalidad disonante. Pero no creo que el shock factor disminuya su valor para volverlo a escuchar. Ser violento no te lleva muy lejos que digamos. Considero que las texturas que se desarrollan entre tics y glitches, además de los vivos colores que se van notando más en cada escuchada, hacen de este disco una obra esencial. Si yo fuese artista y este tipo de música fuese mi modo expresión, ya lo tendría muy estudiadito.

Ayer! - Here Come The Warm Jets

Matt de Ground and Sky concluye:

"I guess this album had a tough time finding an audience back in 1974. A flummoxed Rolling Stone reviewer declared Warm Jets to be "annoying, because it doesn't do anything," and hoped Eno would "attempt to structure his work rather than throw together the first ten things that come to mind" the next time he made an album. It must be that the many years of exposure to whimsy, irony and postmodernity in popular music have conditioned those of us who grew up in the '80s, because all I hear when I play Warm Jets is a creative batch of really good songs."

Vaya que son muy buenas canciones. Brian Eno se estaba dando a conocer a principios de los setentas, con toda la actitud dadaista y sexualmente agresiva que nos cuesta imaginarlo de esa manera, sobretodo si insistimos al recordarlo como el "padre" del ambient. "Here Come the Warm Jets" tiene diez canciones que no siguen una estructura formularia y por lo mismo parecen ser anticlimáticas para aquellos acostumbrados a lo que se presenta con el mayor respeto a las fórmulas; esto es, a los tradicionalistas.

Dando un breve recuento de cada canción: "Needles in the Camel's Eye" cumple con el objetivo de calquier tema abridor de acelerar el pulso y emocionarse por lo que viene; "The Paw Paw Negro Blowtorch" suena a lo que después haría con David Bowie; "Baby's on Fire", "Blank Frank" y "Dead Finks Don't Talk", muestran pura excentricidad postbeatleana; "Cindy Tells Me" tiene su esencia en las rock love songs de los 50's, pero con kilos extras de agresividad pasiva; "Driving Me Backwards", toda en menor, sonando tensa, disonante, nunca resolviéndola. "On Some Faraway Beach" y "Some of Them Are Old", ambas engrandecedoras y nostálgicas, demuestran el talento que tiene para componer rolas pop friendly y por lo mismo ser muy solicitado como productor por grupos que se dedican a eso. Y al final, "Here Come the Warm Jets", himno sencillo que cierra como una innegable visión de los caminos que estaban por venir.

Escuchar un disco de música diferente puede ser complicado aun y cuando reconozcamos que nuestra apreciación musical sufrirá un cambio irreversible. Pero el benficio es enorme y la gran satisfacción es duradera.

Put Ya Hands Up Or... Not - Aesop Rock

Nitsuh Abebe alguna vez escribió para Pitchfork lo siguiente:

"Your humble reviewer is not hugely invested in the state or the fate of hip-hop. A lot of folks are, though, sometimes to an unfortunate extent-- hip-hop spends almost as much time drawing lines and fighting over its own image as the punk and hardcore zines do, albeit more entertainingly. One of the results of this is that a whole lot of hip-hop records are basically about hip-hop: the mainstream stuff (aka "real" hip-hop) offers up further meta-explorations of a few MC-persona archetypes, while the undie stuff (aka "real" hip-hop) dedicates itself to the Ancient Skillz of crate-digging, battle rhyming, and either picking on the mainstream or spitting abstract jumbles of wordplay. The former is how we get stuff like P. Diddy saying, "I don't write rhymes, I write checks"; the latter is how we get stuff like the Anti-Pop Consortium, who sound godlike in ten second snippets but prove mind-numbingly tedious by fifteen."

Confieso que tengo un problema con el hip-hop. Es algo mío, de mi persona, mío de mi; el hip-hop no tiene la culpa*. No conecto con la gran mayoría de lo producido. Me gusta mucho Public Enemy y disfruto grabaciones mas 'underground' de artistas como CLOUDDEAD y Dälek. Pero cuando críticos que respeto respaldan los discos de Jay-Z o Kanye West... Me topo con pared. Quisiera entender, lo juro. Hasta ahorita no he podido.

Sigo de cerca a varios artistas como los arriba mencionados, MF Doom y hasta cierto punto el Wu-Tang Clan. Pero en lo particular, casi no me interesa el hip-hop como género. En mi opinión, sufre un caso grave de anteponer estilo a lo esencial, con ataques de materialismo excesivo, intenciones insulsas como "This will sound great in the club!" y ese tipo de achaques.

*Keith Rowe, entrevistado hace tiempo en The Wire, dijo que si alguna música no le gustaba, era su problema, no el de los músicos que la tocaban, siendo privilegio de ellos hacer ese tipo de música. Si por cualquier razón no podía conectar, era totalmente bronca suya. Este consejo me ayuda bastante, sobre todo en esas locas ocasiones cuando me dicen algo como "¡Está buenísimo el disco de Tokyo Hotel!".

Pero basta de mis problemas. "Labor Days" es un muy buen disco. Abebe lo explica con dos razones muy sencillas: primero, Aesop Rock es muy buen MC y segundo, Blockhead hace un gran trabajo en la producción; en lo segundo coincido más con él. La música es dramática, primordialmente en tonos menores y con buen trabajo de ambientación exuberante y exótica, los ritmos son meticulosamente construidos y las rimas fluyen, tratándose sobre el tercer tema universal por excelencia: el trabajo**. Quizás no sea tan 'sofisticado' como poesía sobre bling, pero más relevante sí.

**Probablemente el segundo tema universal sea el amor. El orden puede cambiar, dependiendo de si "¿Por qué no me quiere?" es más común que "Detesto mi jale". El primer tema, por supuesto, formulado en pregunta, debe ser "¿Por qué existo?".

Recomendado: para caminar por la jungla urbana, hacia nuestros lugares de trabajo. Dénle un vistazo a Daylight.

The Huge Metal Fan - Zyklon

Es digno de mencionar que los grandes maestros del black metal casi siempre son de Noruega - si no de ahí, al menos en hermandad, compartiendo su espíritu. El buen black metal es compuesto e interpretado solo cara a cara con la desolación.

Cuatro agresivos seres humanos forman Zyklon: Samoth y Destructhor en las guitarras, Trym en la batería y Secthdamon, cantante y bajista. Con esos nombres, las burlas se escriben solas!

"Disintegrate" es su disco más aclamado, su principal virtud siendo que suena más a death metal con tintes de black que vice versa. Track por track, el disco deja de sonar como tal y se convierte en madriza. Hay dos temas lentos, "Cold Grave" y "Skin & Endangered" que por su colocación (quinto y último, respectivamente) me dieron un breve momento para respirar.

En "Cold Grave" gritan: "This is the night of the cold grave blues/Be sure it's all wrapped well and tucked/I ain't got no short fuse/Hell, this is when we'll all be fucked". Claramente, estás no son las palabras de un demonio culto. Pero las palabras son solo la excusa para gritar algo remotamente distinguible. El verdadero poder está en los riffs; inmediatamente reconocibles, me recordaron a la época de oro de la producción de Carcass y Napalm Death, que mezclaban elementos de groove y thrash para darle dinámica al estilo. Y Trym, según yo, es uno de esos bateristas brutales que no solo desea que comprendamos lo que está tocando; también de seguro desea que no comprendamos. Los golpes no se comprenden, se sienten.

Recomendadas: "Disintegrate", mismo nombre que el disco y "Cold Grave," para el remate. Porque la brutalidad es su ideal, su arte y, porque no, su piedad. Los dioses del metal están agradecidos.

Antes Que Después - Morton Feldman

Muchos opinan que es difícil elegir algún punto de partida para entrarle a la música de Morton Feldman. Como resultado de mi propioa experiencia, puedo decir, "vaya que lo es." Considero que es de buen juicio voltear a ver "Only", ya que es riquísimo y presenta el aspecto vocal de su obra. Además, su interprete se llama Joan La Barbara.

La interpretación de La Barbara - acompañada por Ralph Grierson en el piano, Erika Duke Kirkpatrick en el cello y la compañía San Francisco Contemporary Music Players - es de excelsa calidad. Ella menciona en las notas del disco:

"In choosing the other works for this collection, I wanted to explore Feldman's interest in using the voice as an instrument and discovered the kernel of ideas that he later expanded in depth and at greater length.
(...)
For those who have enjoyed the late works of Feldman that have appeared on recordings like sudden flowers after a rain in the desert, this collection offers a glimpse of earlier pieces, helping to paint a more complete portrait of this man whose thoughts and sounds influenced and continue to affect so many composers and musicians in the last part of the twentieth century."

La pieza clave para disfrutar el disco, a mi gusto, es "Pianos and Voices" - compuesta para cinco pianos, celesta y cinco voces - porque es un gran ejemplo de lo especial que es la música de Feldman, con su muy notable calma, como se desenvuelve, crea tension y se resuelve de una manera totalmente relajada. Su genialidad, al final de tan preciosa colección, queda develada.

Recomendado: para dejarse llevar, nota por nota, por el sentido de esta música, que obliga a ponerle atención a cada detalle. Se puede escuchar varias partes en Amazon.

Ayer! - Revolver

Thomas Hobbes en "Leviathan":

"The praise of ancient authors proceeds not from the reverence of the dead, but from the competition, and mutual envy of the living."

En algun momento durante su "Antología", Harrison al comentar sobre las armonías vocales más complejas del "Revolver" mencionó que estaban compitiendo contra Brian Wilson y los Beach Boys. Antes de eso, McCartney comentó algo similar, recordando uno de los temas que compuso con Lennon poco después de escuchar a Roy Orbison. No podían quedarse atrás. Si escuchaban algo interesante, sentían la necesidad de comprobar que ellos lo podían hacer mejor.

¿Cuántos grupos han competido con los Beatles desde entonces? ¿Cuál es el porcentaje de grupos dentro del britpop que lo intentaron? ¿Cuántos grupos, sintiendose no en su mejor momento pero muy cerca de ello, al grabar su colección de canciones pensaron, "este es nuestro Revolver"?

Selectronica - Nobukazu Takemura

Allmusic Guide da una buena advertencia a los curiosos valientes que se acerquen al "Water's Suite" de Nobukazu Takemura:

"Not for the faint of heart, it proposes one hour of fast-cascading staccato notes, ripples of random sounds later sculpted into abstract shapes. Drones and clicks provide flooring. Takemura has created a piece with lots of movement and a captivating tension between the organized and the disorganized, but it lacks dynamics. Painfully relentless, the six untitled parts leave no room to breathe and offer little variety in terms of the sound palette. On the other hand, there's a lot happening inside and you can literally lose yourself in these synthetic waterfalls."

A mi no me parece que le haga falta dinámica; toda la obra es un ataque de actividad y su nivel de intensidad, aun considerando que en el primer tema guarda tentativamente su energía, nunca aminora. Quizás se refiera a la ausencia de un beat definido o, no se, algún elemento adicional que al mezclarse dé resultados diferentes. O sea, ¡opiniones hay muchas! El "ofrecer poca variedad en términos de paleta sonora" de uno puede ser el "a mi me gusta el agua 'agua', punto, sin sabores" de otro.

"

"Water's Suite" contiene 6 piezas (una de ellas dura más de 20 minutos) de alcance épico, donde aquellos fuertes de corazón - o bien, aficionados al arte conceptual - pueden explorar sus cascadas de ritmo y diversas texturas. De inmediato se reconocen los clusters sostenidos y los millones de clicks aleteando y entrando en detalle salen a relucir motifs reichianos escondidos y, a mi juicio lo más enriquecedor, las diferentes texturas que rodean los beeps y boops revoloteantes.

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Recomendado: para ponerlo como fondo al armar un rompecabezas o cualquier otra actividad minuciosa. Los invito a escuchar un traguito en emusic.

The Huge Metal Fan - Drudkh

"We just squeeze the seeds in our hands, we don’t see the groves that will grow out of them and will rustle their green branches. We just drink muddy water which was brought into this world by a terrible time…"

Drudkh, artistas de Ucrania, tocan black metal atmosférico con fuerte tintes de folk y un ligero y controversial aroma a NSBM. En "Blood in Our Wells" tocan seis canciones, tres de las cuales duran más de diez minutos por lo cual debe esperarse una fuerte dosis de ambición o bien, una terrible monotonía. Como todos debemos saber, la verdad yace en algún punto intermedio.

Sus canciones tienen como base riffs que en su mayoría son power chords menores - claro, repetidos ad nauseum- dándoles un fuerte sentido de angustia y desolación. El vocalista no ofrece melodía alguna, dedicándose mejor a gruñir a la manera más reconocida del subgenero, nasalmente y bastante silvestre (a diferencia del gruñido bajo característico del death metal) la poesía de algunos poetas ucranianos que respetan al grado máximo de querer metalizar su obra. El elemento melódico y armónico es realizado con teclados y uno que otro solo de guitarra y el rítmico con una batería usualmente lenta, al estilo doom, acentuando el drama con un groove doloroso y perverso.

La suma de lo anterior da como resultado una obra pesada pero no intolerable. Su coqueteo con pasajes progresivos le agregan profundidad a lo que podría ser un minimalismo aburrido. El nivel de intensidad en su ejecución nunca afloja o va a menos. Y el sonido en general del disco es anclado por samples tomados de una pelicula y una notable calidad lo-fi que le agregan áspera textura. El resultado es un disco digno de disfrutarse cuya ambición debe ser apreciada por lo que contribuye a la experiencia auditiva y no cometer el error de proclamarlos como reyes de algo o innovadores de lo otro.

Tema recomendado: El disco debe escucharse de manera seguida hasta el final para mejores resultados. Mi track favorito es Solitude.

How Interesting! How Bizarre! - Henry Flynt

De la revista Aural Innovations:

"On Raga Electric (subtitled Experimental Music, 1963-1971), Flynt gives one of the most extraordinary vocal performances you will ever heard on the title track. Believe me, you have heard nothing like this before. The sounds he wrenches from his vocal chords are almost inhuman (yet always strangely in tune with the background guitar playing another Eastern raga). It got me to wondering, was this something like the sound of the first human, or pre-human even, who tried to vocalize something that would eventually become music? Whatever Flynt’s intentions were, they strike some primal chord, deep within the oldest part of the brain."

No es que la voz de Henry Flynt suene inhumana; más bien no es totalmente entrenada o dominada y de repente suena frágil. En muchas ocasiones justo cuando está a punto de romperse, se compone, muy parecido a un niño aprendiendo cómo andar en bicicleta, con valor, manteniendo su equilibrio.

Flynt es un filosofo, músico, activista y artista comúnmente asociado con el arte conceptual. Muchos también lo asocian con Fluxus por su amistad con George Maciunas. Su obra escrita cubre desde la metatecnología, matemática y economía hasta la cultura, personhood y arte. Su ensayo "Art or Brend?" es brillante. Fue alumno de Pandit Pran Nath, lo que explica su amor por la raga.

Menciono lo anterior porque uno está tentado a calificar su música como chiste y a decir "¡JA! ¡Cualquier idiota puede "cantar" así!". Por supuesto, eso sería simplista. Basta con decir que se necesita tremenda lucidez para lograr cantar así, frágil o no. Es preferible reir ante esta música, porque eso denota algo de incredulidad y de eso al asombro solo es necesario un paso.

Recomendado: para el artista que llevamos dentro, a menos que dicho artista sea purista, lo cual sería un acto de blasfemia recomendarlo. Escuchen los samples de "Raga Electric" y "Marine Hymn" en Bookmat. Además, la serie de "Central Park Vocal" es genial. "Free Alto" es tortura hardcore.

The Huge Metal Fan: Primordial

En "The Gathering Wilderness" viene el siguiente texto:

"These are desperate times, the odds are stacked against us, surely the day will come when the wolf is let loose? When he wakes from his slumber and awakes the beast in man, and he shatters the bonds that bind him and makes one last stand... for all times."

Irlanda ciertamente ha conocido sufrimiento a través de su historia; Primordial -orgullo irlandés- lo expone con toda la carga emocional que el doom con tintes de black permite. Y es que durante los tiempos de crisis uno se ve tentado a pintar todo de color "rojo angustia"! Tenemos una gran imaginación y continuamente la usamos para imaginarlos las peores catástrofes. ¿Por qué no mejor escuchar como cuenta Primordial esta historia y permitir que la angustia invada los sentidos? Digo, siempre podríamos estar peor!

Recomendado: para el lobo interno que amenaza con salir. Denle una escuchada a "End of All Times (The Martyr's Fire)" y "The Coffin Ships". Sorpréndanse porque A.A. Nemtheanga de repente suena a Brandon Flowers versión apocalipsis.

It's a Small Word - Antibalas

El otro día iba escuchando Liberation Afrobeat Vol. 1 mientras pasaba el Palacio de Gobierno y di gracias al creador. Políticos vienen y van, pero la buena música persiste y por eso mismo es un placer escuchar que la legacía de Fela Kuti sigue viva en manos de Antibalas. Fela, como político y activista, definitivamente no la tuvo facil, pero, como músico, vaya que dominaba su arte. Los músicos que forman Antibalas dominan lo suyo y le hacen honor al tocar su versión dura y agitada de afrobeat.

Si uno desea protestar, tiene mucho de donde escoger: Dylan, Rage, Napalm Death, etc. ¿Verdad que la mayoría de la música de protesta es heavy? El afrobeat de los últimos tiempos de Antibalas ofrece eso con el plus de poder bailarla con toda la libertad que Dionisio esperaría.

Recomendado: para hacer conciencia, discutir y/o bailar acaloradamente y hacer todas esas cosas que el calor invita. Denle un vistazo a Dirt and Blood y... a mover el bote.

The Huge Metal Fan: Opeth

Pues que me encuentro esto en sputnikmusic, sobre "Watershed":

"They formed eighteen years ago, and despite a few miscues they've been quite successful. Are they overrated? Maybe. But they don't often let down their fans, and for that reason even I fell victim to Watershed's hype machine. Opeth's ninth studio album doesn't disappoint either. While Watershed isn't in the band's upper echelon of albums – a spot reserved for Damnation, Blackwater Park, and Still Life - it's still a quality record that meets, and at times exceeds, the standard Opeth has set over the years."

¿Habrá crítica libre de las cadenas de la pretención? Aquella donde despreocupado el crítico de modas e innecesarios contextos, no le interese llegar a donde no sea necesario llegar ni descalificar por temor de parecer desconectado o, peor, incoolto.

En un lugar muy escondido estaría esta supuesta crítica, clarísimo. ¿Se podría llegar ahí?

Consideremos el siguiente ejemplo. Cuando Slayer saca “God Hates Us All” y “Christ Illusion”, el coro de voces cantó al unísono: “no es ‘Reign in Blood’ pero es su material más sólido en estos últimos años.” Ah, maldito sea el que brilla temprano. ¿Porqué no aplicarlo en nuestras vidas? “Cumpliste con la meta del mes; has hecho un buen trabajo, Juan”, dijo mi jefe, “pero nunca como cuando sacaste ese 100 en matemáticas en la secundaria.”

Pero peco de naíf. El contexto, dicen, lo es todo; lo importante es decir que “Watershed”, noveno disco de Opeth, es de los mejores discos lanzados este año. Åkerfeldt fusiona estilos como el death, thrash y black metal con una infusión de folk y rock clasico tipo Deep Purple, sin temor de incorporar órgano hammond, piano, corneta inglesa, oboe, flauta, violín y cello para un cóctel muy atmosférico y provocador. El grupo lo interpreta con confianza, dominio y convicción total, aplicando feeling para enriquecer los momentos emotivos y ferocidad cuando se necesita partir cabezas. Las letras son básicamente poesía mala, como en “Porcelain Heart” (“Icy roads beneath my feet/Lead me through wastelands of deceit/Rest your head now, don't you cry/Don't ever ask the reason why”), pero comparadas con lo que escribe James Hetfield hoy en día, parecen escritas por el mismísimo Shakespeare.

Recomendado: para los que les gusta su metal majestuoso y a los que les apasiona el prog. Échenle un vistazo a "Porcelain Heart" y "Heir Apparent". Piuf.

The Huge Metal Fan: Metallica

Con "Death Magnetic", el Metallica de "Kill 'Em All", "Ride the Lightning", "Master of Puppets" y "...And Justice for All", discos que forman el canon más importante del thrash, ha regresado. Pero es fácil admitir eso. Más interesante sería contestar: ¿A que realidad regresó?

Muchos podrían decir regresaron a recuperar su trono; de ser así, ¿de cuál trono estarían hablando?

Si se refieren al trono de consistencia, ese lo asumió Slayer hace varios años. Mientras Metallica se "lucía" con los Loads y su disco con la Sinfónica de San Francisco, Slayer calladamente sacaba disco trás disco que se agregaban a su ya bastante fina legacía. La diferencia se hizo más notable con sus discos más recientes: St. Anger que es un grandísimo trozo de mierda contra "Christ Illusion" que no solo tiene excelentes rolas, sino también se ve beneficiado del regreso de Dave Lombardo a la batería.

¿El trono de creatividad? Para fines prácticos, lo abdicaron. El thrash nunca fue el dechado de lo avanzado, pero eso es lo que tocaba Metallica y lo hacían rapido y armonioso sin temor a perder agresividad. Sólo que despues del negro, les interesó explorar estilos más cercanos al post-grunge que otras bandas tocaban mejor. Y durante este proceso, estilos como el black, death, grindcore, metalcore y power, que ciertamente ya tenían mucho terreno recorrido, se empezaron a mezclar por bandas más hambrientas y ambiciosas (Opeth y Mastodon por mencionar sólo dos), que entienden que con cambios de ritmo, texturas, secciones e intensidades diferentes, se puede avanzar y crear buena música. Aunque "Death Magnetic" es el paso que Metallica necesitaba dar, no se escucha más avanzado que "Master of Puppets", y eso que ese disco fue lanzado hace más de veinte años.

¿El trono financiero? Ese nunca lo perdieron. La cruda realidad es que St. Anger vendió 2 millones de copias, cifra que el 90% de los metaleros quisieran vender.

Una vez aclarado lo anterior, sí puedo decir que "Death Magnetic" es más fuerte y complejo, y a pesar de que tiene rolas largas, son interpretadas con tal intensidad que en ningún momento son aburridas. A estas alturas, demuestran que siguen tocando bien y que no han perdido totalmente la habilidad para componer buenas rolas.

Lo mejor que le puede pasar a Metallica es seguir sacando un disco como éste cada dos o tres años, para ir enriqueciendo su repertorio, que por supuesto, sale a relucir cada vez que se van de gira. Tal vez no sea la propuesta más avanzada, pero mínimo es buen entretenimiento. Al menos eso le funciona a Motörhead.

Una cosa debe evidenciarse: las letras compiten con St. Anger como las peores en la historia del genero. Dios mio, man.

Recomendado: para los que extrañaban al buen Metallica y a los amantes del thrash en general. Las mejores rolas son "That Was Just Your Life", "The End of the Line", "Broken, Beat & Scarred", "All Nightmare Long" y "My Apocalypse", con mención honorífica a "The Day That Never Comes". Estuve tentado a decir "todo el disco", pero "The Unforgiven III" y "Suicide & Redemption" no aportan asi que tu digas gran cosa. ¿Porqué no dejaron el disco con ocho rolas como los viejos tiempos? Digo, que necesidad de quedarse con un número redondo!

The Huge Metal Fan: Ephel Duath

La audiencia aprecia cuando un artista da de más para enriquecer su estilo. Siendo el metal fácil de ridiculizar, los que lo apreciamos podemos apuntar hacia Ephel Duath y decir “ésta música no tiene por qué permanecer inerte”

"The Painter’s Palette" viene después de su debut, Phormula; sobresalta la inclusión de instrumentos no comunmente utilizados en el metal, además de su notable virtud instrumental. Esto hace que sus rolas suenen similar al estilo propuesto por los mathcoreros, aunque el espíritu de King Crimson está muy presente. La voz viene en dos modalidades, gritos demoniacos (de Luciano George Lorusso) y canto estilo John Wetton (de Davide Tolomei). La guitarra de Davide Tiso da robustas texturas y la seccion ritmica de Fabio Fecchio en el bajo y Davide Piovesan en la batería es lo suficientemente mezquina como para no dejar pasar lo mínimo de aire. Así de apretado el asunto, muy admirable.

Uno aprende mucho analizando la duración de las rolas. He encontrado que los tiempos dicen mucho de como se expresa el artista; algunos son redundantes o parlanchines, otros son mucho más concisos. Ephel Duath no tocan rolas cortas pero dicen todo lo correcto.

Denle una revisada a “The Passage”, una excelente manera de iniciar el disco.

Recomendado: para aficionados del metal progresivo y todos aquellos que busquen algo más que lo clásico. Aunque todo el disco es sólido, empiezan con el pie derecho. Los primeros cuatro temas son excelentes. Especialmente "The Unpoetic Circle (Bottle Green)" y "Labyrinthine (Crimson)".

The Huge Metal Fan: Yakuza

Ahem.

Si los originales se organizan para controlar sus actividades criminales, Yakuza se organiza para pulverizar con los elementos básicos del metal moderno (guitarras afinadas en C o mas bajo, bateristas biónicos, gritos desgarradores, etc) y una que otra verdurilla poco convencional (para oidos acostumbrados a dieta estricta de metal, claro está.)

Esta semana le di un repaso a su "Transumtations" y debo admitir que me gustó lo que escuché. El vocalista no tiene la voz más grandiosa, pero si tiene una muy clara idea de como hacerla lucir. Además, sus gritos demoniacos son de primera calidad.

Como muestra, denle un vistazo al video de "Black Market Liver" donde incorporan un solo de sax y overdubs de Hamid Drake (!).

Recomendado: para aficionados de Sepultura y Soulfly que buscan algo más sofisticado. Podría recomendar cualquier tema de corte furioso, pero siendo realista, cualquier grupillo puede hacer eso. Rolas como "Black Market Liver" y "Raus" son las mejores para disfrutar a los Yakuzos.

STOP WHINING! - El primer post del Bolg

Como bien lo saben, odio a la gente que se lloriquea. Ejercicio más futil, no conozco (fuera de ser aficionado de los Tigres).

Imagínenme sonriendo cuando encontré lo siguiente:

"...whining should be telling you something. Whining is the white smoke in your tailpipe that lets you know you’re burning mental oil. It means you’re unconsciously devoting cycles to something that you can’t, won’t, or shouldn’t be spending time thinking about. Otherwise, why would it be bothering you, right? You’d be either extricated or done with it."

El cachito es cortesía de 43 folders, un blog fino y recomendable que debe ser visitado muy seguido por todos ustedes.

Y así comienzo esta tremenda aventura. El contenido del Bolg de Jaun se separa en dos categorías. En la primera, compartiré las joyitas que encuentro en mi navegar cotidiano. La segunda será para discutir sobre los artistas que, a mi juicio, enriquecieron, enriquecen o enriquecerán la más bella de todas las artes, la música.

Conociendo como es este mundo y sus especies peculiares, trataré de no quejarme mucho y comunicarme en tono positivo. Pero si me paso o (peor aun) si me cachan lloriqueando, háganmelo saber y les compro un boleto de lotería. Si resulta ganador, vamos michas.