Men are nearly always willing to believe what they wish

"Almost every party grasps that it is in the interest of its own self-preservation that the opposing party should not decay in strength; the same is true of grand politics. A new creation, the new Reich for instance, has more need of enemies that friends: only in opposition does it feel itself necessary, only in opposition does it become necessary...."
Friedrich Nietzsche

Soy mexicano. Me siento mexicano. Moriría por mi patria. Me identifico plenamente con Juan Escutia; sin duda podría saltar al vacío envuelto en la bandera antes de que un maldito extranjero la profane. Hay partidos políticos que entienden mi sentir más que otros. Cuando sus candidatos hablan de progreso y bienestar, me emociono. Cuando me aseguran que van a cumplir sus promesas, lo creo. La unión hace la fuerza y con fuerza se rema mejor para llegar más rápido a donde debemos estar. Me dan asco los candidatos que no se acercan al pueblo, que pretenden gobernar desde su guarida sin ensuciarse las manos y sufrir como todos nosotros.

"But the tools of skepticism are generally unavailable to the citizens of our society. They're hardly ever mentioned in the schools, even in the presentation of science, its most ardent practitioner, although skepticism repeatedly sprouts spontaneously out of the disappointments of everyday life. Our politics, economics, advertising, and religions (New Age and Old) are awash in credulity. Those who have something to sell, those who wish to influence public opinion, those in power, a skeptic might suggest, have a vested interest in discouraging skepticism."

Carl Sagan

Soy mexicano, pero no tengo idea que es sentirse "mexicano". Necesitaría estar pendejo para querer morir por lo que sea que signifique "patria". Juan Escutia fue un pendejo que se tropezó y se agarró de la bandera antes de caer al vacío. Si me insistes en que se envolvió en ella para que el enemigo no la profanara, pienso que más pendejo era. ¿A caso pensaba que se iba a vaporizar antes de tocar el suelo? Este tipo de lógica idiota es la base de todos los partidos políticos. Como la mierda, podrán ser menos o más apestosos, pero seguirán siendo mierda. Cuando se acercan las elecciones y salen los candidatos escupiendo palabras vacías como "progreso" y "bienestar", me dan ganas de escapar del país. ¿Vamos a combatir la inseguridad "participando activamente en el combate al crimen organizado"? ¿Hay otra pinche opción como "participar inactivamente" o de plano "no participar"? Pero me piden tener fe. Si la fe mueve montañas ¿porque mejor no usarla para mover a los pinches delincuentes a otro pinche lado? Nadie cumple promesas, porque el ejercicio de prometer para conseguir votos es claramente defectuoso; la pinche gente no lo cuestiona. Si pinol aromatiza, limpia y desinfecta, probablemente también "creando empleos en México" gane la gente, asi sí . Sepa la verga que gane, pero ¿quien le hace el feo a ganar?

The Fireman

"Electric Arguments" de The Fireman es una colaboración entre Paul McCartney y Youth (exbajista de Killing Joke), donde Sir Paul se oye inspirado, cantando y hasta gritando sobre electro-rock, blues, pop-rock ochentero. Se podría argumentar (hyuck!) que es su mejor material en años.

Alex Macpherson de The Guardian, piensa lo contrario:

"The sound of old rockers clinging on to their youthful experimentalism is rarely edifying. This is ably proved by the third Fireman collaboration between Paul McCartney and former Killing Joke bassist Youth (a moniker long past its sell-by date). Their website trumpets the "pure musical possibilities" of Electric Arguments, but this is heavily laboured hackwork."

O sease, de plano no le gustó. De hecho, le gustó más el "808 & Heartbreak "de Kanye West. Ese disco tiene como peculiaridad que Kanye lo cantó con auto-tune*, básicamente porque no puede cantar bien.

Considero particularmente temerario ese tipo de cosas, ya que es un tremendo riesgo inspirado en una genuina necesidad por expresarse. Al pobre Kanye le rompieron el corazón, por lo que vio la urgencia en componer canciones todas afectadas como para terapiarse y, pudiendo colaborar con el vocalista que quisiera, tomó las riendas de la cantada para que la terapia fuera completa.

Pero recordemos. Al pobre McCartney también le rompieron el corazón (y le bajaron un buen de su fortuna) con un divorcio. También vio la necesidad de componer canciones para terapiarse, solo que en vez del auto-tune (Sir Paul no lo necesita), se puso de acuerdo con Youth, decidieron sacar un tema por día como limite y los resultados fueron buenos.

Al parecer, no saber cantar y hacer trampa es mejor que ser viejo y aferrarse a la juventud. Alex McPherson, debería de darte pena decir esas cosas.

*El auto-tune, popularizado por la rola esta de Cher cuyo nombre se me escapa, hace que la voz suene bastante robótica, por no decir fake. Esto le pudo haber explotado en la cara a Kanye, pero no fue así porque es bien sabido la suerte le sonríe a los audaces.

Flat Earth Society

Ahí estuve esperando algo no especifico. El concepto me hacía ojitos. Grabaciones de varios proyectos, en una colección curada por Mike Patton. Una big band dirigida por Peter Vermeersch, haciendo lo que las big bands hacen. Pero... FES va más allá. Creatividad patas arriba.

De repente juguetón, de repente inquietante. Como Carl Stalling, voluble y maniaco. Algunas melodías se exhiben sin pudor. Otras se esconden en lo oscuro, como premoniciones. Todo estilo, toda sustancia que atrae y asombra. Amantes del jazz, devoradores de sonidos nuevos y corazones jóvenes reunidos todos, embriagados de un fuerte sentido del humor.

Recomendado: O.P.E.N.E.R.

The Huge Metal Fan - Profundi

Jens Ryden, exvocalista de Naglfar, sacó "The Omega Rising" como Profundi a finales del 2006. En Global Dominion opinan lo siguiente:

"If I’d say that there’s one thing that separates Profundi with its ancestor it’s that there’s a marked sense of urgency and chaos in “The Omega rising” that perhaps was less visible in Naglfar. From the layering of vocals and songstructure to the chaotic almost Azagthoth-like solos (oh yeah, the solos deserve extra mentioning. Really fucking good) Profundi sounds more like a army of half-starved cutthroat robbers ravaging random passers-by compared to Naglfar’s slick, merciless elite force of murderous soldiers. Which one you prefer is up to you really. Personally I’m just delighted that I can now have my cake and eat it too. Naglfar is still going strong and Jens is back on the scene with a very convincing and impressive album."

He aquí un grito desde el infierno. Ryden, que dejó a Naglfar para concentrarse en las artes visuales, hace todo en este disco. Todo. Canta, toca la guitarra y el bajo y programa la batería. Escribe, produce e interpreta la música y letras. Graba, mezcla y premasterea el disco. Diseña e ilustra su arte, logotipos y tipografías. Que interpetación tan seria de una idea tan ridícula, de un ejercito infernal acabando con el mundo.

Ryden es un demonio tan perfecto. Su voz decrépita calculadamente domina todo el material. Habla sobre como adquiere poder para torturar y dominar el mundo. Cuando se pone serio, escribe cosas como "holocaustal purgatory glow". Su música se mueve entre semitonos y evita a toda costa que la luz entre. Su batería es tremendamente furiosa, acentuando rolas tan rápidas que cada parte funciona a la perfección. Y eso es solo describir los medios. El fin es esta obra que sangra veneno y dolo, totalmente introspectiva.

Recomendado: Split-Tounged.

Microtonal pero Macrosensual - Easley Blackwood

¿Porqué escuchar "Twelve Microtonal Etudes for Electronic Music Media" de Easley Blackwood? A continuación, un breakdown:

• Como la mejor música, te pesca de inmediato. Piensa que sin tener que aceptarla conceptualmente, esta música es muy estimulante al explorar los posibilidades espresivas de la afinación microtonal.
• Blackwood divide la octava en 13 a 25 notas y las ajusta en temperamento igual.
• Cada afinación le da un color especial a la música y Blackwood lo aprovecha dándole a cada estudio su estilo diferente.

Esta música está diseñada para retar. Simple y sencillamente, escuchar una melodía que depende de supuestos alterados puede volverse un asunto adictivo porque te absorbe sin obligarte a conocer teoría musical.

Escúchalo y cómpralo en emusic.

Fe y Esperanza No Me Dan de Comer

Definitivamente, el barco se debe enderezar. Con todo esto de Obama y su "cambio en el que puedes creer", sería interesante imaginar que porcentaje de la población cree que todas sus miserias y necesidades pueden ser curadas con una sola receta de fé y esperanza. Si se trata de creer así de fácil, entonces creo en Led Zeppelin III, uno de los mejores y más bellos discos de rock, donde el feeling y la buena ejecución han tenido uno de sus más grandes encuentros. Y para recordar, una simple de "Immigrang Song":

"So tonight you better stop and rebuild all your ruins, because peace and trust can win the day despite of all your losing."

Viva(?) México.

Selectronica - Renderizors

En Heathen Harvest piensan de "Submarine", disco de Renderizors, lo siguiente:

"Even in raucous noise Renderizors breathes, as guitars hurl hoarsely against walls and drums clench attempting to rattle the gaping spaces, where male vocals mumble and inarticulate, there is a palpable sense of distance. Songs, of a form, do flutter out of the avant-garde foliage where all disparate entities find a common hermetic enterprise. When they do commune it is not a solid entanglement, just one of space delineated by absence – haunting, languid ballads aghast at anything heartening. From empty frenzy to lazy laconic."

En "Submarine" se juntan dos grupos brillantes del underground neozelandés: el grupo de pop indie Renderers y Sandoz Lab Technicians, exponentes del drone. La música que producen es una mezcla de composiciones electrónicas llenas de drones y dark ambient con canciones de alto contenido emotivo. Suena como un poema del Emerson:

Close, close to men,
Like undulating layer of air,
Right above their heads,
The potent plain of Dæmons spreads.
Stands to each human soul its own,
For watch, and ward, and furtherance
In the snares of nature's dance;
And the lustre and the grace
Which fascinate each human heart,
Beaming from another part,
Translucent through the mortal covers,
Is the Dæmon's form and face.
To and fro the Genius hies,
A gleam which plays and hovers
Over the maiden's head,
And dips sometimes as low as to her eyes.

Recomendado: dar click aquí para escuchar un stream de "The Places We Walk (To Put Down Our Dead".

The Huge Metal Fan - Brown Jenkins

Es interesante darse cuenta como muchos discos de black metal se limitan a lo expresado en sus títulos. Basicamente, ves la portada y ya sabes lo que viene adentro. Lo demás es nomás tocar. "Dagonite" y "Angel Eyes" de Brown Jenkins son diferentes. Tienen un mood desconsolador y estilo minimalista, pero no le apostaría para adivinar lo que tratan sus canciones. Claro, sí entiendo lo que están haciendo y como todo depende de la guitarra. Pero, ¿de que se trata?

Lucas Schleicher de brainwashed.com opina lo siguiente de "Dagonite":

"All the ridiculous associations that mar the face of black metal are absent on Dagonite; faux-Satanism, church burning, sexual brutality, and macho-posturing are all thankfully absent from Brown Jekins' music. Any preoccupation with these topics is either implied by genre association or veiled in the personality of the musicians responsible for these five songs. There is no lyric book, no evangelical declaration of purpose, and few discernible lyrics to get in the way of this record's one and only focus: the guitar. ... This album may be nothing more than five songs of guitar worship shaped into atmospheric plague, but those five songs accomplish a directness and sense of dread that most other bands fail to achieve with twice as many instruments in their arsenal. Potent black metal doesn't need to be carried to theoretical or theatrical extremes to be effective. Brown Jenkins took little more than a few guitars, some very simple percussion, restraint, and a love for horror fiction and turned it into one of the better black metal records I've heard since first hearing the patriarchs associated with the genre."

En ese sentido, Brown Jenkins sí sobresale. En su música permea el terror, construido con base en tiempos lentos, melodías atonales y, claro, alto volumen. Y haciéndolo de esta forma evitan comparaciones con la gran mayoría de las bandas del black; convencionalmente, un grupo como éstos debería ser más explicito. Ambos discos son experimentales y corrosivos, retándonos a cuestionar lo que pensamos del género.

Recomendado: "Dagonite"

Avant(?) Rock - Dengue Fever

Cualquier disco que celebre estilos desaparecidos del rock no puede ser tan malo, y me econtré sonriendo mucho mientras escuchaba "Venus on Earth", obra revisionista de pop camboyano por Dengue Fever. También me la pasé contemplando cada una de las rolas, tratando de identificar que fue tan irritante de ese estilo para que el Khmer Rouge lo prohibiera. Es cierto que la música puede rescatar la expresión de una sociedad, pero puede ser ingenuidad cuando esa sociedad cree que va a ser rescatada por música. La gente verdaderamente malvada busca silenciar, más que cualquier otra cosa.

Pero estoy divagando. Los 11 temas del disco suenan a ese estilo divertido, dulce, melancólico y psicodélico de rock sesentero, cuyas melodías son lo más importante; el ritmo y los arreglos solo están para envolverlas en pequeños paquetitos de buena vibra. Y las melodías son cantadas por Chhom Nimol, camboyana de nacimiento, fiel a su estilo pretendido. Pero la buena vibra no se salva de la crítica, en este caso de Mike Powell de pitchfork:

"Celebrating Cambodian garage rock-- a music whose practitioners were systematically executed by the Khmer Rouge in the late 70s-- is an odd thing to do without historicizing it, especially when the history deserves so much sober attention. But my frustrations with them aren't conceptual, they're practical. Vocalist Chhom Nimol has an elevatory, radiant voice that would overshadow pretty much any band she might be in. In the case of Dengue Fever, that's a special blessing. Even when their songs pass muster, the performances feel ineffectual, which makes long stretches of Venus on Earth drag semi-miserably. Even the styles they so dutifully ape had an imagination about what to do with the aural character of their guitars, whether through distortion, other effects, or a particular production style. Dengue Fever's textures are straight out of the box, as if what they thought what they're doing between the bars is novel enough. Sometimes it is. Usually, it's not.
...
I feel anal-retentive and self-loathing saying that I want to like Dengue Fever, but it's true: I appreciate that they're making indie rock music informed by a foreign stylistic context, I appreciate the mix of non-Western music with Western, and I love Chhom's voice. But there are better "foreign" bands, and musicians making more interesting mixes at the moment-- M.I.A., Tinariwen, and even some of Ricardo Villalobos' recent singles sound like they could be from more than one different place, and I mean that as a compliment. While Dengue Fever's intentions are good, their expressions verge on vacuous. Venus on Earth is the kind of benign aural tourism that always made me a little bored and suspicious of Air and even, occasionally, of Stereolab. But what those bands might've lacked in sincerity (if that's what you could call it), they covered for with diligence of craft."

Entiendo que el disco es una de esas ideas que parecen cada vez más forzadas a medida que el tiempo avanza. Pero caray, no están descubriendo el hilo negro. Lo importante es divertirse! Obviamente Dengue Fever es mucho más estilo que sustancia... pero eso es parte de la diversión. "Venus on Earth" es revisionista, un tributo a estilos pasado y al mismo tiempo una propuesta fresca, pero aun así no escuchamos esos discos deseando algo más cutting edge. ¿Para qué sugerirle (o exigirle) a otros artistas que hagan las cosas como M.I.A. si M.I.A. no se ha ido a otro lado?

Recomendado: "Seeing Hands"

Avant Rock - Sam Shalabi

Escúchalo entero y "Eid" de Sam Shalabi parece un disco de antiworld music. Ciertamente tiene los instrumentos para que suene a "world music" y está estructurado para que suene diferente al rock angloparlante, pero no es propiamente "world music" porque-- pues, quizás porque Sam Shalabi tiene su lenguaje músical dominado. Este es el tipo de disco que no quieres analizar hasta después de dos o tres escuchadas.

"Eid" tiene 10 variados temas que compuso mientras vivía en Cairo y estuvo expuesto al pop árabe contemporaneo. Shalabi (tocando el laúd árabe) y sus secuaces se van saltando de género en género de manera muy fluida, empezando con "Hawaga" donde el laúd solito presenta la atmósfera multicultural que impregna todo el disco. Lo más satisfactorio que encontré al escucharlo (dos veces) es como Shalabi fusiona todas sus influencias en un sonido personal que absorbe las sutilezas culturales. A eso me refiero con lo de antiworld; casi todo lo catalogado como world music no es muy sutil.

Recomendado: "Hawaga"

Put Ya Hands Up Or... Not - El-P

"Fantastic Damage" de El-P tiene un nivel de importancia que varía según el contexto en el que se escucha; podría ser una obra maestra para hip hoperos, una disco muy acido para el pop y una obra que avanza el género para el avant-garde. Esto funciona sobretodo para los que no quieren batallar y prefieren su música facilmente etiquetable. Aquellos que ven más allá de las etiquetas, de inmediato reconocerían el talento de El-P y su visión artística.

Pero de eso a pitchfork, que dice esto:

"If Sly Stone phoned up Stockhausen for a presidentially mandated collaboration with 10,000 hours of government-granted studio time at Abbey Road, they still couldn't have crafted a soundscraper this abrasive, complex, and primal..."

Tampoco exageremos. "Fantastic Damage" tiene ritmos pegajosos y estructuras melódicas inquetantes y futuristas, pero dudo mucho que le ganen a los ritmos cachondos de Sly Stone. Y ni hablar de igualarle a la inquietud de Stockhausen. A menos, claro, que nos olvidemos de su obra y los reduzcamos a simples estereotipos.

Comparémoslo con lo que dice Gavin Mueller de Stylus:

"It has been said (very perceptively, I might add) that hip hop was the first underground music genre that fully embraced capitalism as the music gained popularity. Now hip hop has become a cottage industry of sorts. Almost every rapper has his own label (to promote his friends, as well as make some money from their sales), and many have clothing lines. These labels churn out album after album, spending far more time and money on promotion than the actual product.
...
Underground hip hop thrives on criticizing these perceived failings. However, the attacks are anemic and pointless; often they grow incredibly tiresome. What indie rappers don’t understand is that mainstream bling-blingers are just making the system work for them. It’s not that Master P wants to make bad music. The current consumerist climate lets him make money making lazy tripe. So he does.
...
That’s probably one of the main reasons the Def Jux label is so potent: CEO El-Producto sees that the problem is bigger than hip hop: it’s systemic. His solo album is not a criticism of the state of hip hop; it’s a criticism of the state of the current American political and cultural climate.
...
El-P is a true visionary: this may be the Kid A of hip hop."

Esa conclusión me gusta más. "Fantastic Damage", al igual que "Kid A" es un reto para su audiencia meta, innovando y ampliando su valor artístico. Y aunque haya contagiado a muchos, a casi siete años de haber salido, sigue sonando fresco y atrevido.

Recomendado: "Deep Space 9mm"

The Huge Metal Fan - Harvey Milk

"Life... The Best Game in Town" de Harvey Milk es en esencia, sludge puro. El disco va a dejar muy buenas impresiones, incluyendo alabanzas de algunos críticos. Creo que esa era la intención. Desde el principio de su carrera, Harvey Milk actuó de acorde a su peculiar versión de metal, que incluye descarada experimentación, afilado sentido del humor y profunda pesadez*. ¿Qué es lo más notable de "Life..."? Es, sin duda, su disco mejor ejecutado.

*Aunque es inevitable compararlos con los Melvins, por más peculiar que sea.

Adrien Begrand de PopMatters ciertamente los alaba:

"When a metal band does manage to tap into its collective, highly disturbed psyche and deliver a rare listening experience that’s as genuinely harrowing as it is visceral, we know straightwaway that we have something special on our hands. Eyehategod did so with 1996’s Dopesick. Godflesh pummeled us senseless on Streetcleaner. Portal reached new levels of sickness on last year’s Outre. And in 2008, Athens, Georgia sludge mainstays Harvey Milk have emerged from whatever rock they live under and coughed up an absolutely punishing album that would have people lining up to congratulate them if Harvey Milk didn’t happen to sound like the kind of folks you’d cross the street to avoid.
...
Now, with one of extreme music’s most reputable record labels in Hydra Head behind them, Harvey Milk has easily topped their comeback album with a strange, convoluted album that’s as much a paean to rock ‘n’ roll as it is a glimpse through the eyes of some very deranged human beings.
...
It’s a grim journey, and often creepy as hell, but it’s by no means depressing. Mediocre music is depressing. This stuff is exhilarating."

Esta sensación se intensifica con una muy buena selección de temas, especialmente las primeras tres rolas ("Death Goes to the Winner", "Decades" y ""After All I've Done for You, This Is How You Repay Me?"), "Roses" que empieza con delicada voz y piano para pasar al sludge y un buen minisolo y "Motown", la rola más melódica del disco. Los riffs son lentos y sucios, y en ocasiones se menean como vil serpiente. La producción es sencilla, resaltando las guitarras y el ambiente turbio. No es algo innovador, pero creo que esa nunca fue la intención. El que está música no se preocupe por como se ve, o que piensen de ella, es lo más brillante.

Recomendado: "Death Goes To The Winner", un excelente comienzo a un excelente disco.

Under & Out - Kemialliset Ystävät

"Kemialliset Ystävät" es un disco hecho fuera de la fábrica, más allá de las reglas, en el lejano lugar de Tampere, Finlandia, concebido por Jan Anderzén. Nos acostumbramos a los lanzamientos semanales y de repente algo como ésto se desliza entre lo comun y corriente, sonando salvaje e indomable; los 12 temas no suenan a algo clasificable, pero se puede reconocer elementos básicos, figuras rítmicas e instrumentos así como si fuera algo como pintura rupestre.

Bryan Berge de Stylus así lo piensa:

"...There’s a strange order, a deliberation, a dawning sense that every element is placed as it is for an irrational reason. Therein lies the greatness of the band: its painstaking intricacy sums to dada spontaneity. This musical paradox creates a compelling game for the listener: try to deduce the illogic beneath the music, peel back the layers searching for a foundation (if there is one), discover the rule that is the exception to itself.
...
We speak often of an artists’ vision, as if musicians present the audience an image that one can mentally trace back through an aesthetic lens to an ideal representation in that artist’s head, an index of influences, inputs, and insights. The clearer and sharper this vision, the better. But in this case, Anderzén’s vision arrives at the end of a kaleidoscope, and its geometric precision only adds to the beautiful confusion."

Finalmente, de eso se trata la artisteada, no? De comunicarle a la audiencia a traves de diversas disciplinas algo que le llame a sus sentidos o emociones. Su expresión individual es lo distingue y, hasta cierto punto, maldice. Es más imaginable pensar que Bono se encierre un mes en un cuarto oscuro y grabe un disco de black metal que imaginar a su público aceptándolo con brazos abiertos. Pero, ¿como acostumbrarse a lo que hace Anderzén? ¿Como buscas centrarte en algo especifico especifico ante un frenesí de actividad? Es más facil reconocer las partes individuales que la forma que los une. Es muy interesante sentir que no entiendes nada, pero al final llegar a la claridad.

Se tiene la idea que los que escriben sobre música prefieren lo nuevo porque lo ordinario hastía. Si eso fuera cierto, si aplicara para todos, se podría evitar mucho tiempo perdido en falsos profetas. Creo que "Kemialliset Ystävät" es digno de elogios por ser original y muy peculiar, pero sobre todo porqué tiene vida propia; hay un espíritu viviendo ahí que nos ayuda a discernir ese extraño lenguaje.

Recomendado: "Älyvaahtoa". Escribir sobre esta música ya es por demás. Lo mejor es escuchar.

El Año en Riffs

La revista Wire dedica en su rewind del 2008 una página al riff, figura rítmica usada y amada por todos, o como ellos lo ponen, "para algunos el principio organizador del universo, para otros una herramienta para destruir realidades defectivas." Mejor dicho imposible.

En su recorrido revisan como le fue al riff en los diferentes estilos que lo emplean. De notable consideración:

• "... records which have witnessed purveyors of inchoate noise abandoning their former amorphousness in favour of more or less rigidly defined form, imposing order upon their sound..", refiriéndose a grupos indie/alternativos como Magik Markers, MV & EE y todos aquellos apadrinados por Thurston Moore de Sonic Youth*,
• "... certainly made off with the syphilitic Richards-riffage and love of cheap downtown dirt, and there's a dose of Jesus and Mary Chain in there somewhere, further blurring an already opiated brew, but this only makes the musty aroma of record collection rock all the more pungent**", refiriéndose a grupos más estilizados como Sic Alps o Times New Viking,
• "... an aesthetic strain which almost negates the riff entirely, the musical equivalent of colouring outside the lines as washes of trebly noise corrode the formal structure of the songs...", refiriéndose al black metal***,
• "... Sweden's Meshuggah have distinguished themselves as scientists of the form, cranking up the rigidity and complexity to suffocating point", refiríendose a su disco "obZen"****,
• "... riffs appear to be dissolving as they are played, the monolithic giving way to the raptorous, the edges deliriously blurred", refiriéndose a Sunn O)))***** y Nadja con su doom metal y
• "... while the riff belongs to everyone, it's perhaps safest in the hands of disheveled, hirsute males un plaid shirts******", refiriéndose a los más recientes discos de Melvins, Asva, Earth y Harvey Milk.
  

*Difícilmente podría encontrar a alguien más ocupado que Moore, dividiendo su tiempo entre grabando y tocando con Sonic Youth, escribiendo, participando con otros grupos y administrando una disquera.
**Concuerdo totalmente que esas cosas apestan. No "apestan" en el sentido de que sea malo, sino de que es muy notorio lo que están haciendo. Sería interesante determinar si lo hacen para revivir o volver a popularizar ciertos estilos o si de plano quieren posicionar sus grabaciones entre las de los grandes.
***Si alguien no está totalmente de acuerdo con que el black metal sea considerado como una forma artística más elevada, al menos puede entender su popularidad como consecuencia de la obsesión gringa con la tortura (Abu Ghraib, la serie de "Saw", etc) y todo lo que se considere oculto.
****De lo más exquisito del 2008. Una verdadera monstruosidad.
*****Creo que viene Sunn O))) al festival Radar en el DF por ahí del 14 de marzo. Ahí estaré.
******Suena medio sexista, pero la verdad es que todos los guitarristas de esos grupos llevan muchos años sacando riffs, aun y cuando fuese terriblemente impopular hacerlo. A estas alturas ya son los más finos artesanos del riff.

Me dio mucho gusto saber que el riff, oficialmente consagrado con el primer disco de Black Sabbath en los 70's, tenga tantos sabores y colores en la actualidad. Y tomando prestado lo que dijo Rob Neyer******* sobre la madurez intelectual, no voy a adivinar lo que mañana vayan a pensar hacer estos artistas o lo que vaya a pensar el público en general sobre el riff. Solo queda admirar lo producido y esperar más satisfacción a futuro.

*******In Stage 1, you think you're usually the smartest guy in the room, and further, that you are smart enough to divine the thoughts and intentions of everyone else in the room. In Stage 2, you still think you're the smartest guy in the room but you realize that you're not nearly smart enough to know what other people are thinking, or why they do what they do. You can't read minds, and usually shouldn't bother trying. In Stage 3, you finally come to understand that while you might know some things, you don't know most things, and that pretending otherwise will only make you look foolish around all the other smart people. And you're still not trying to read minds.

Avant(?) Rock - Black Mountain

"In the Future" de Black Mountain suena como si "Sabbath Bloody Sabbath" se quitara al diablo de encima y le tirara a las estrellas, en un intento intencionado* de recrear el sonido sabbathesco de riffs aplastadores incorporándole teclados, efectos y arreglos más complicados (o séase, hacerlo prog). El disco tiene 10 temas, uno de ellos de corte épico, durando casi 17 minutos.

*La mayoría de la crítica se enfoca en esto sin cuestionar si este tipo de ejercicios merezcan tanto hype. Por ejemplo, tenemos a pitchfork diciendo:

"Whatever you wanna call them-- revivalists, re-interpreters, or even rock fundamentalists-- that first record provided an engaging snapshot of late 1960s/early 70s AOR. With that in mind, sophomore effort In the Future faces the challenge of holding our attention amidst all these Guitar Hero games and Led Zeppelin reunions without puffing itself up to the ridiculous levels of more mainstream retro-stoners like Wolfmother and the Mars Volta."

Me imagino que es cuestión de gracia. Sí creo que Wolfmother y Black Mountain sean diferente en propósito y ambición pero no tremendamente diferentes en la ejecución. Ese estilo no permite gran diferenciación del producto final.

Con esos riffs que Iommi consagró, más una sólida sección rítmica y buen uso de sintetizadores para crear ricas atmósferas, los canadienses le varían con temas como "Wucan" (pesada en teclado), "Wild Wind" (bowiesca) y "Tyrants" (quizás la síntesis de lo que ofrece el disco). Pero la que más me gustó fue "Bright Lights" la arriba mencionada de 17 minutos, tema que empieza de forma graciosa con los vocalistas Stephen McBean y Amber Webber jugando con las palabras bright y light, aumentando la intensidad para llegar a el riff más pesado y atropellador del disco, rockeando ruidosamente unos minutos para luego lanzarse al vacio, saliendo el teclado a relucir con interludio largo de ambient que justo al terminar, se convierte en otro jam eufórico con el que terminan. Y la sensación de satisfacción es complementada con "Night Walks", última canción del disco, muy tranquilamente cantada por Webber. El cierre deja buen sabor de boca.

Una vez dicho eso, no creo que emocionarse de más sea la reacción correcta. Por ejemplo, tenemos a Mike Diver de Drowned in Sound:

"This is a wonderfully zealous experience, bristling with realised potential and fulfilled ambition. It is the necessary next step, a marked movement towards whatever the mainstream is today; all that’s needed is for the wider world to wake up to Black Mountain’s superlative wig-outs and drift away on clouds entirely of their own mind’s making. Heady, heavy, stuff."

Sí puede ser una experiencia maravillosamente ferviente... si nunca has escuchado lo producido por Sabbath, Deep Purple, Led Zep, Pink Floyd, King Crimson, etc a mediados de los 70's. Mi punto es sencillo: este estilo ya se minó por completo. "In the Future" es un buen disco, pero hasta ahí. Guarden sus adjetivos más pesados para describir lo que hicieron sus antecesores. Pero eso sí, denle puntos a Black Mountain por mezclar bien sus influencias, ya que nunca suenan a alguien especificamente.

Recomendado: "Bright Lights", aquí dividido en dos partes.

Jazz - Dave Douglas

"Parallel Worlds" es el primer disco del trompetista Dave Douglas, una interesante colección de seis originales y cuatro "covers" de artistas célebres como Anton Webern, Kurt Weill, Igor Stravinsky y Duke Ellington. La grabación brilla tanto con la impresionante interpretación de Douglas que de inmediato lo colocó como uno de los más grandes talentos del jazz.

El disco fue lanzado por la disquera Soul Note en 1993 y producido por Tim Berne. Acompañan a Douglas Mark Feldman en el violín, Erik Friedlander en el cello, Mark Dresser en el bajo y Michael Sarin en la batería. La combinación de instrumentos no es muy común en cuanto a acompañamientos se refiere, pero funciona, dándole a la música un timbre mucho más amplio y texturas que enriquecen la experiencia auditiva. Los temas originales varían entre revolcones encendidos y espaciosas meditaciones donde Douglas solea de manera oleante, coloreando y explotando cuando lo ve necesario. Y los covers muestran su ingenio como arreglista, siendo el Gran Coral de Stravinsky - último tema del disco - el que más me gustó por su notable belleza.

He seguido de cerca a Douglas desde que lo escuché tocar con John Zorn en Masada y la verdad, me cae muy bien. Hace tiempo encontré una entrevista que le hizo allaboutjazz.com donde le preguntaban:

DA: What about some of your work in the non-jazz realm…

DD: Well, that’s the most interesting thing happening in music right now: we don’t know what to call it anymore. Some people are really angry that we call this jazz, and others just call everything jazz. And I think that’s great. The question itself is what’s important.

DA: But you’ve done work with Sheryl Crow, Suzanne Vega, Joe Walsh, Cibo Matto, Ron Sexsmith, and others. What did you take away from those experiences? Did you find it immediately relevant to your own work?

DD: All music is immediately relevant. It’s always been that way for me. I’ve always loved to play all different kinds of stuff. When I worked with Horace Silver in 1987 I was also working with the noise-avant band Doctor Nerve. You can learn from just about any experience. I played weddings for years, and as much as I hated it, I still feel there’s something to be gained from it. Someone points at you, and in two seconds you have to play some tune that you only half-know, in a key that is uncomfortable on your instrument, and make it convincing enough for the bride and groom to dance. That’s music education."

Alguien con esa claridad de pensamiento y entusiasmo por lo que hace, merece ser reconocido.

The Huge Metal Fan - Krallice

Krallice se hace sentir de inmediato. Este es un disco apasionante, tenebroso y excitante al mismo tiempo, con sies rolas compuestas al estilo del black metal que respetan incondicionalmente las características del género pero de alguna manera logran sonar ingeniosas. Del 2008, es lo más selecto en metal extremo.

El grupo lo forman Mick Barr (guitarra, bajo y voz), Colin Marston (guitarra) y Lev Weinstein (batería). Barr se inclina mucho hacia el avant-garde en proyectos como Orthrelm y Ocrilim/Octis que resaltan su agilidad, velocidad, precisión - su dominio, vaya- para tocar su instrumento. Acompañado por Marston, que en su grupo Behold The Arctopus también explora el lado hipertécnico del metal, hacen mancuerna al incorporar su habilidad y complejidad casi matemática a los confines depresivos y atmosféricos del black. Francamente, es una combinación difícil de imaginar.

Las rolas son basadas en riffs rápidos y muy pegajosos. Aunque su estilo de tremolo picking es contenido hasta cierto punto por los parámetros del black, los riffs adquieren una cualidad inusual gracias a las capas que se construyen en unión con Marston y al rango más amplio de Barr comparado con el guitarrista de black promedio. Es fácil concentrarse y perderse entre los riffs y los solos, similar a la manera en que uno se pierde en el ambiente que caracteriza a las mejores grabaciones del género. El resultado es un disco de primera clase y sombria belleza, que elevan de categoría al black como modalidad artística, punto que toca Barr en una entrevista con Pitchfork:

"I'll never understand the art world. But I kind of feel like there's been some art world/black metal crossovers happening for a while now. Maybe it just has a higher profile, or there's more of it now. But for some reason it kind of bums me out, so I do my best to avoid it. Although I did play with Angelblood for a couple months back in 2003, which was kind of a black metal/art experiment. But it's kind of a huge genre with millions of fans, so maybe it's just the law of averages. and it's a pretty inspired and inspiring art form."

Escuché "Krallice" y soy testigo de su éxito. Me da mucho gusto que la mayoría de las publicaciones lo incluyeron en sus listas de lo mejor del año. Es una pieza de música tan entretenida que pesar de ser el primer intento de sus creadores, sin experiencia previa en el género, logra su objetivo y sigue agarrando vuelo. Posiblemente hasta se haga de muchos imitadores.

Recomendado: Wretched Wisdom, directamente del site de Profound Lore, la disquera.

The Huge Metal Fan - Sear Bliss

Alex Henderson del AMG considera que Sear Bliss tiene potencial de crossover:

"The vast majority of death metal and black metal bands preach to the choir; they provide brutal, vicious, bone-crushing albums that appeal primarily to extreme metal's cult following, and their attitude is that if people outside the mosh pit don't comprehend what they are doing, that's their problem. But the bands that embrace melodic death metal or symphonic black metal (or perhaps a combination of the two) have had more crossover appeal, often attracting headbangers who aren't necessarily big fans of extreme metal. Sear Bliss' The Arcane Odyssey is a perfect example of a symphonic black metal/folk metal album that could easily appeal to metalheads who appreciate some black metal but haven't acquired a taste for the more unforgiving bands like Gorgoroth and Marduk. While no one will mistake this Hungarian outfit for easy listening, The Arcane Odyssey is a disc that -- for all its aggression and intensity -- is highly melodic and values nuance, musicality, and craftsmanship."

"The Arcane Odyssey" tiene en la mayoría de sus temas un excelente manejo de adaptación melódica en un entorno violento. En ocasiones, la intensidad de dicha agresividad es la mejor parte. Y se les debe dar puntos buenos por incorporar instrumentos de viento* en un intento por lograr un sonido épico.

*Aunque a mi se me hace rara la grabación de los supuesos instrumentos. Me parece como si vinieran de un sinte, aunque un tal Pál toca el trombón. Eso me distrajo constantemente.

Desgraciadamente, debo enfatizar el "en ocasiones". Es aparente que Sear Bliss tiene algo especial con sus melodías y texturas y cuando todo cuaja, suenan muy diferente al resto. Si tan solo pudieran cuajarlo más seguido, porque en muchos pedazos suenan a tu grupo promedio** de death/black. Pero como cambian de miembros a cada rato, ha de ser complicado. Espero que con el tiempo dejen de correr gente, exploten ese potencial y nos den un disco verdaderamente majestuoso.

**No que eso sea malo; es difícil tocar con toda la dureza y agresión que el género requiere. Primero necesitas una sección rítmica que toque por arriba del promedio. Luego necesitas buen material. Muchas veces se tiene lo uno, pero no lo otro... como todo en la vida.

Recomendado: "Blood on the Milky Way", primer tema del disco.

Antes Que Después - Pierre Boulez

Boulez compuso Le marteau sans maître después de abandonar lo rígido del serialismo. Escrita para grupo de cámara (flauta, guitarra, viola, vibráfono y un montón de percusiones) y voz, la pieza se inspira en "Pierrot Lunaire" de Arnold Schoenberg. Ambas piezas son un buen ejemplo del brillante y rigoroso método creativo de los mejores exponentes avant garde del siglo pasado. Le marteau sans maître tiene 9 movimientos y dura aproximadamente 35 minutos. La pieza se va construyendo sobre capas matizadas de misterio, palabra más adecuada para describirla.

Por eso, usualmente se malentiende y, por lo mismo, se descarta por prejuicio o temor. Creo que lo difícil es esucharla por primera vez porque suena demasiado marciana. Cuenta la historia que cuando se presentó por primera vez, hasta los músicos más dispuestos titubearon para adoptarla. No es difícil suponer que eso hace que muchos no se comprometan a escucharla hasta el final. Pero al ir progresando va agarrando familiaridad y a pesar de que el inicio es muy extraño, poco a poco se le encuentra forma. Para el final, a mi ya me había conquistado y hasta programé tiempo para escucharla más detenidamente, para captarle más.

El conjunto Lontano y la mezzo soprano Linda Hirst le dan un sentido de urgencia que la hace muy emocionante. Sentí que en cualquier momento este monstruo polifónico se podría descomponer; doy crédito a los dedicados interpretes por no dejarla caer. Y sí, me doy cuenta que se puede analizar esta música de manera mucho más hardcore. Probablemente sueno como esos que tratan de explicar el comportamiento bizarro de sus novias locas. Pero la música es mi novia loca, caray. Y la amo.

Les comparto un fragmento que encontré en youtube.

Avant Rock - Godspeed You! Black Emperor

Hace poco escuché "Yanqui U.X.O." y recordé que me gustaba mucho Godspeed You! Black Emperor y su manera de trabajar de manera cuasiorquestal. Hacían que su música sonara muy dramática, usando recursos como guitarras preparadas (poniendo un desarmador entre el cuello y las cuerdas) y esquemas de composición más serios que resultaban en temas largos con diferentes pasajes, usando crescendi en algunos, obteniendo máximo volumen e intensidad para mayor efecto. Creo que esto último es lo que los separa del bonche.

"Yanqui U.X.O" fue su ultimo disco - desde el 2003 que están inactivos - producido por el gran Steve Albini. La intepretación es notablemente bella, pero lo que más me gusta escuchar es su manejo del tiempo para desarrollar los tres largos temas y como resuelven las tensiones construidas sin caer en excesos o exageraciones, con matices en las dinámicas y fraseo más refinado, obteniendo buen color tonal al usar un buen balance de guitarras, teclados y cuerdas.

Lo malo es que también recuerdo como Ryan Schreiber, fundador de Pitchfork, criticó el disco:

"The band has taken its naysayers' gripes to heart and done away with those moody vocal snippets that not only hinted at deeper protest, but also jolted you awake just as your mind began to wander. And where the hell is the undercurrent?

...

Ideas are scarce, too-- where Skinny Fists would erupt without warning into a scorching Satriani-esque solo ("Cancer Towers on Holy Road Hi-Way"), the tracks on Yanqui are content to continue building to bored, satiated endings we can see coming 20 minutes in advance. Couldn't we have some venting? Are we frustrated or just dramatic?

...

Worse: The record is consumed by a painfully glacial pace. Each song plods endlessly onward toward an inevitable conclusion with no revelation in store for the poor listener, who can only endure these disc-filling five tracks in the hopes that, maybe, just maybe, that one glorious moment will arrive and redeem the interminable wait with a display of power so towering and majestic that it in itself will be a $12 experience. It doesn't.

...

What we're left with, then, is the skeleton of an incredibly original band whose once-driving conviction and determination has been sapped by sluggishness and a lack of invention. It doesn't help that they've spawned countless imitators and saturated the market with uniform side projects. Or that their radical politics, which could be such a defining attribute, are relegated to cardboard inserts. Or that they just keep doing the same thing over and over and over and over again, hoping for a different result. Someone tell Godspeed that orchestras play all kinds of music and that uprising can take other forms in music than apexes conveying abandonment, loss or apocalypse. Revolt, as I see it, is a beautiful thing, but not this beautiful."

Siempre he pensado que el silencio en la composición es difícil de usar. Úsalo poco y la música puede sonar abarrotada. Úsalo mucho y podrías sonar como si se te acabaron las ideas. En "Yanqui U.X.O.", el silencio es utilizado con buen tacto, siempre al beneficio de la obra. Al parecer, este recurso se la hace aburrido a Schreiber, que quiere llenar los espacios con algo más 'efectivo', sin proponer algo especifico.

Claramente las espectativas de Schreiber no fueron cumplidas, echándole la culpa a Albini por ensuciar la producción y a GYBE por no ser 'efectivos' al recurrir a la repetición 'de lo mismo' sin mostrar más creatividad y no poder comunicar sus mensajes politicos a través de la música. Me imagino que la manera perfecta de hacer esto está en la cabeza de Ryan Schreiber, lástima que no lo toman en serio como músico talentoso. Schreiber es un tipo inteligente y como tal debería saber cuando no pasarse, especialmente si hay que atacar el trabajo o método creativo de un artista dedicado a eso. Su problema de espectativas cortas podría ser resuelto sin querer tomar las riendas del grupo.

Recomendado: "Rocket Fall on Rocket Falls", que aparece en este video creado por un aficionado.

Jazz - Henry Threadgill

Hace dos meses emusic puso el catálogo de Black Saint a disposición de sus suscriptores. La disquera independiente italiana creció en importancia gracias al respeto que tenía su fundador Giovanni Bonandrini a los jazzistas y a su arte. Junto con su sello hermano, Soul Note, fueron la casa de distinguidos músicos del avant garde que no hubieran tenido oportunidades para grabar en otros lados.

El primer disco que compré fue uno que estuve cazando desde hace rato, "Spirit of Nuff... Nuff" de Henry Threadgill, que grabó con su septeto Very Very Circus. Esta inusual configuración de dos tubas, dos guitarras, trombón, batería y Threadgill en el sax y la flauta le da un timbre muy interesante a la música, resultando en composiciones densas y sonido espeso como "Drivin' You Slow and Crazy", "Bee Dee Aff" y "Unrealistic Love".

Threadgill es parte del AACM, organización que pide a sus miembros énfasis en desarrollar y expresar su identidad músical. Aunque su estilo está empapado en raices americanas como el blues, gospel y jazz de Nuevo Orleans, su fuerte es la original manera de derretirlos y mezclarlos y por lo mismo es considerado como uno de los principales compositores del avant garde. Sus composiciones, a pesar de ser complejas, tienen ese "feeling" muy libre e improvisado que distingue al jazz.

Recomendados: "Unrealistic Love" y "First Church of This". Los invito a escuchar los samples que tiene emusic.

The Huge Metal Fan - Hammers of Misfortune

De Global Domination, una interesante observación sobre el doble disco de Hammers of Misfortune, "Fields/Church of Broken Glass":

"Hammers could have done so much with the double-album format, that it is quite disappointing to find that the two disks are very similar in sound. Apart from the lyrical concepts, there really is nothing preventing all eleven songs from nestling on the same CD. Even more disappointing is it to find that Cobbett has decided to venture even further into the depths of the 70’s.

...

Initial complaints aside, this/these isn’t a/aren’t bad/bad album/beer coasters. Cobbett has not lost his flair for epic song-writing, nor his aptitude for writing genuinely poetic lyrics, a rare, rare sight in metal. I admit I haven’t spent any time studying the lyrics for this one, so I shan’t delve. Musically, I think the greatest change from “The Locust Years” is the increased focus on the Hammond Organ, which actually isn’t surprising given Cobbett’s expression of interest in the instrument. On “Fields” and “Church of Broken Glass” it seems almost to vie with the guitars for control, often taking the lead and soloing. Even when it doesn’t, its presence is perpetual."

Como cualquier hijo de vecino, me encanta la música de los 70's. Puede ser un gusto antiquado, lo sé, pero el tiempo pasa, y me doy cuenta que en esa decada los artistas tenían la libertad de hacer grabaciones apasionantes y las disqueras usualmente las lanzaban sin tantos peros. Cuando los grandes conglomerados (CBS, Capitol-EMI y Warner et al) se dieron cuenta del negociazo que era vender discos, esa libertad se comprometió para los que no cumplían las ventas esperadas.

Es interesante analizar el gusto por lo de antes. Mucha música actual trata de capturar la esencia de algunos estilos de los 60-70-80-90´s y hacerla altamente estilizada. Por un lado, lo cool es escuchar artistas como MGMT (synth pop en esencia, algo de Suicide, algo de Flaming Lips) o The Killers (igual, synth pop bailable pero con algo de Duran Duran, U2 y el Flowers cantando como Springsteen) y opinar que suena muy fresco, divertido y estimulante. Por otro, lo snob/highbrow es maldecir todo lo que parezca a los 60-70-80-90's (sin ignorar su influencia) y exigir algo nuevo.

A mi me pegan las dos ondas simultaneamente. Cuando disfruto algo como el nuevo (doble) disco de Hammers of Misfortune, al poco tiempo me pregunto porque lo harán que suene tan parecido al prog de los 70's y si su onda evocadora pueda trascender.

La respuesta a la primera es fácil: el prog setentero es divertido porque le agrega un nivel de complejidad aceptable a la estructura básica de rolas rockeras y le pone textura usando instrumentos como el glorioso Hammond B3. Los 11 temas de "Fields/Church of Broken Glass" (quizá lado a/lado b se les hacía aburrido) son pegajosos, muestran formas como interludios instrumentales y buenos solos y la interpretación es dinámica, destacando la manera en que las voces de John Cobbett (guitarra y líder), Jesse Quattro y Sigrid Sheie (teclado) se entrelazan. Las letras son decentes, explorando la relación entre la vida rural y urbana al principio de la revolución industrial.

En cuanto a trascender, es más relativo. Más que dominar al mundo, me suena a que los Hammers of Misfortune buscan colocarse junto con los grandes del género. Para ustedes que les gusta el prog básico como a mi, este disco es como un "Farewell to Kings" o "Red", que pudo ser aclamado en ese tiempo y se disfruta actualmente como tal, ni más ni menos. No es algo fresco o nuevo, pero sí estimulante. Y cuando lo escuché aquí en la oficina, una de mis compañeras me dijo, "¿Otra vez tu rollo retro?" Eso puso a mi lado outsider muy feliz.

Recomendado: "Train", último tema del disco (doble).

Avant Rock - Arthur Russell

El año pasado, Audika siguió relanzando discos de Arthur Russell, esta vez con "Love is Overtaking Me", colleción de temas pop/country que tuvo gran aceptación. Me encantaría escucharlo, pero por alguna política imbecil de no se quien, emusic no me deja comprarlo*. No hay bronca, esperaré un poco más.

*"We're sorry. This album is unavailable for download in your country (Mexico) at this time. We apologize for any inconvenience this may cause." Glo-ba-li-za-ción!!! Woo!!!!!

Aprovecho la oportunidad para recordar otro buen disco de Russell, "Calling Out of Context". Andy Beta de Pitchfork le pareció tan excelente que dijo lo siguiente:

"The disc proves Russell to be a changeling artist whose only parallel might be Miles Davis, constantly placing his individual sound in new contexts, constantly searching. But whereas Miles' explorations-- from cool nonets and electric washes to on-the-one funk and Cyndi Lauper-- came over a forty year period, Arthur did it all at once; the genres undifferentiated in his mind and compacted into the infinity of a single decade."

¿En serio, Miles Davis su único paralelo? Russell formó parte de la escena Downtown de NYC, junto con muchísimos artistas de diversas disciplinas; como ejemplo, mencionaré a Yoko Ono, Nam June Paik, Steve Reich, Philip Glass, Laurie Anderson, Velvet Underground y John Zorn. Todos versátiles, constantemente ubicando su sonido individual en nuevos contextos y constantemente en la busqueda.

Las contribuciones de Russell se reconocen en el disco, dance y dub; con esto, es fácil ver como coqueteó con el pop más que los artistas arriba mencionados. Y definitivamente, sus contribuciones fueron criminalmente ignoradas en su momento. Desgraciadamente, ya no le tocó vivirlo, pero los años 2000 han sido muy buenos para su música.

En "Calling Out of Context", su estilo es adapatado al sonido synth-pop con excelentes resultados. Los temas tienen algo de minimalismo, sonando como pequeños estuidos o mantras acertivos. 'The Platform On The Ocean' suena a lo mejor de Joy Division, pero con letra ligeramente más optimista. Russell fue bastante intrépido al mezclar su estilo en combinaciones medio improbables; es una lástima que no se lo hayan reconocido con tanto aprecio cuando vivía.

Recomendado: You Can Make Me Feel Bad.

Ayer! - On the Corner

¿Una de las muchas razones para disfrutar "On the Corner"? Hubo quienes se tomaron la oportunidad para criticarlo duramente. John Balton, de musthear.com, lo recuerda:

"This utterly unique and unprecedented recording was savaged by a lot of the critics of its day. They blasted Miles for creating a new “anti-jazz” that fundamentally violated the genre’s integrity. Reviled as the jazz anti-Christ, his playing on this recording was indeed demonic. His trumpet spits out wah-wah distorted licks of fire and nastiness, and he grinds on the organ like it was a cheap date. He masterfully tangles and intertwines the varied sounds of the sitar, conga, electric guitar, tabla, organ, and electric bass to create thickly-layered rhythms of dazzling complexity. He throws in some heavy licks on top of it all, hitting hard with quick and punchy bursts from his horn that make the groove throb.

This explosive session is anything but harmless, as it still remains the album that the purists most love to hate. Brimming with the risky inventiveness of untested ideas, Miles pushed the envelope a little too far for many of the less visionary critics with On The Corner. If Bitches Brew was the first bombshell Miles dropped on the jazz world, this surely was the second. Still, with both recordings, Miles showed why its better to burn as a devil in the fire than rot as an angel in the wings."

"On the Corner" no trata fundamentalmente sobre cuidar la integridad del jazz en absoluto, sino la manera de trascender el lenguaje de Miles en un mercado donde el rock y el funk ya dominaban. Para aquellos que escuchaban la música popular de los años 68 al 72, el disco tiene la resonancia que a otras audiencias le podría faltar. Esta música recuerda días cuando había un mayor énfasis en experimentar y hacer arte más rico, sin descuidar la parte de vender discos.

Por supuesto, uno de los objetivos de Miles era reconectar con una parte de su audiencia que estaba más interesada en el funk y el rock. Y aunque se escuchan estos elementos en la música, lo que no se menciona mucho es la producción de Teo Macero. En complicidad con Miles, utilizó métodos de musique concrete para desbaratar las grabaciones originales de horas y horas de jams y reacomodarlas sin preocuparse mucho por las estructuras típicas del género. Tomando partes melódicas y pegándolas en un groove de bajo y batería, básicamente prepararon el terreno para que más adelante, con equipos digitales y software, los productores de música electrónica y hip hop lo hicieran un estándar.

Al escucharlo años después, con oído fresco, "On the Corner" podría no mostrar inmediatamente su valor de innovación; pero tiene un gran poder elemental y un sentido de trance en espiral que muchas grabaciones actuales carecen, por más cool que se escuchen.